The Supreme Gift

Black Belt · Lección 3 de 11 · Tiempo estimado: 20-25 minutos · Tarea de escucha: Incluida

Ya has estado aquí antes. A Love Supreme fue tu segunda lección en White Belt — la primera vez que el currículo te pidió sentarte con algo que exigía más que atención casual. Volviste a él en Brown Belt, donde comenzamos a abrir su arquitectura. Ahora regresas por tercera vez, y lo que ha cambiado eres tú. Cuatro cinturones de escucha concentrada han reconstruido tus oídos. El motivo de cuatro notas, la lógica estructural de cada movimiento, la manera en que cuatro músicos se sostienen mutuamente a lo largo de una suite construida para Dios — todo esto es visible para ti ahora de una manera que no podía haberlo sido cuando eras un estudiante nuevo. Esta lección es un seminario de posgrado, un regreso a un texto que encontraste por primera vez como estudiante de pregrado. El texto no ha cambiado. Tú sí.

Parte 1 — Lo que puedes escuchar ahora

En White Belt, A Love Supreme te pedía simplemente experimentarlo — sentir su gravedad, permitirle ser más que música de fondo, comprender que el jazz podía sostener algo de esta escala emocional y espiritual a lo largo de cuatro movimientos conectados. Eso era suficiente para entonces. Lo que aún no tenías eran los oídos para escuchar su arquitectura.

Ahora puedes escucharlo. El motivo de cuatro notas — la línea de bajo que abre Acknowledgement, cuatro notas descendentes en un patrón que Coltrane identificó en sus notas del álbum y que luego literalmente cantó en voz alta cerca del final del movimiento — no es solo un recurso compositivo. Es el ADN estructural de toda la suite. Escucha cómo aparece en diferentes formas en diferentes movimientos, a veces en el bajo, a veces invertido en los vientos, a veces implícito en lugar de declarado. Toda la suite está construida a partir de este pequeño material celular y sus transformaciones. Lo que en White Belt parecía una gran declaración espiritual difusa se revela, con oídos entrenados, como un acto de extraordinaria economía compositiva.

También puedes escuchar la complejidad rítmica ahora. La batería de Elvin Jones en este disco — que en White Belt probablemente experimentaste como una propulsión rítmica general, una sensación de energía inmensa impulsando la música hacia adelante — es en realidad una densa red de voces rítmicas simultáneas, y a este nivel puedes comenzar a separarlas. El platillo ride está haciendo una cosa; el bombo está haciendo otra; la caja llega en lugares que encajan con ambos sin ser predecida por ninguno. El bajo de Jimmy Garrison es tanto ancla armónica como voz rítmica. Los voicings de piano de McCoy Tyner — construidos sobre cuartas en lugar de las terceras estándar de la armonía del jazz — crean un sonido completamente distintivo, inmediatamente reconocible como perteneciente a este disco y a ningún otro.

Parte 2 — La biografía espiritual

El camino de John Coltrane hacia A Love Supreme pasó por una crisis personal que no sobrevivió en silencio. A mediados de la década de 1950, era adicto a la heroína y al alcohol, y su forma de tocar, incluso cuando era brillante, era poco confiable de maneras que le costaron trabajos y eventualmente un lugar en el Miles Davis Quintet — Miles lo despidió en 1957 por comportamiento errático. Lo que sucedió después es cuestión de registro y también de misterio: en la primavera de 1957, Coltrane experimentó lo que él llamó un despertar espiritual, un evento tan total y tan transformador que dejó la heroína, dejó el alcohol y comenzó un período de trabajo religioso y artístico sostenido que duraría hasta su muerte una década después.

Las notas del álbum de A Love Supreme incluyen una carta que Coltrane escribió dirigida directamente a Dios. Escribió que humildemente pedía que se le dieran los medios y el privilegio de hacer felices a los demás a través de la música — y que sentía que esto le había sido concedido por gracia divina. La carta está escrita a mano, es personal y completamente sin ironía. Coltrane no estaba representando espiritualidad para una audiencia. Estaba informando lo que le había sucedido y expresando gratitud por el trabajo que le había seguido.

Comprender esta biografía transforma cómo escuchas el álbum. A Love Supreme no es una actuación para una audiencia, aunque resulta ser una de las más grandes interpretaciones de jazz grabadas en la historia. Es un acto de devoción — más cercano en espíritu al manuscrito iluminado de un monje o a la piedra tallada de una catedral que a un concierto. La presencia de la audiencia era, para Coltrane, casi incidental. Él estaba tocando para algo más. Y sin embargo, la música se comunica con extraordinaria franqueza con cada ser humano que alguna vez se ha sentado y verdaderamente la ha escuchado. Esta es la paradoja del arte religioso más elevado: hecho para Dios, habla con mayor poder a los humanos.

Parte 3 — Los cuatro movimientos como un arco completo

Con tu entrenamiento actual, ahora puedes seguir este viaje en detalle. La suite dura cuarenta y tres minutos y está construida como una progresión espiritual que Coltrane trazó en el poema de sus notas del álbum con tanta explicitud como los títulos de los movimientos de cualquier sonata.

Acknowledgement abre la suite introduciendo el motivo y, de manera crucial, nombrando a Dios. El movimiento se construye desde la introducción del bajo a través de la declaración completa del grupo y hacia la improvisación de Coltrane, que se mueve a través de las doce tonalidades — el motivo transpuesto a cada centro tonal posible, como si Coltrane insistiera en que el reconocimiento no podía ser parcial, no podía pertenecer a una sola tonalidad o tradición, debía estar disponible en todas partes. Cerca del final, canta las palabras una y otra vez mientras la sección rítmica sostiene. El saxofón ha estado diciendo estas palabras en notas desde el principio. El canto revela lo que el instrumento ya estaba hablando.

Resolution es el movimiento del compromiso — habiendo reconocido, te resuelves a perseguir. El tempo es más urgente aquí, las líneas del saxofón más asertivas. Este no es todavía la búsqueda del tercer movimiento; es el momento de la decisión, el giro hacia el camino antes de que comience la caminata.

Pursuance es donde la suite alcanza su máxima intensidad. La batería de Jones aquí se encuentra entre los pasajes más físicamente abrumadores del jazz grabado — no fuerte por el solo hecho de serlo, sino denso de información, cada componente de la batería involucrado en un diálogo polirrítmico continuo. El saxofón de Coltrane está en plena extensión, alcanzando intervalos y timbres que fuerzan el instrumento y la capacidad humana de seguirlo. Esto es lo que se siente perseguir la trascendencia desde adentro: no sereno, no bello en ningún sentido convencional, sino urgente y total y ligeramente aterrador.

Psalm, el movimiento final, es el más extraordinario. Coltrane escribió un poema en sus notas del álbum — una oración, esencialmente, dirigida a Dios. En Psalm, lo toca. No lo musicaliza; toca las sílabas reales del poema en el saxofón, una nota por sílaba, una recitación completa y sin palabras del texto. Puedes seguirlo con el poema de las notas del álbum y rastrear cada sílaba. El movimiento termina sin resolución en el sentido tradicional — termina porque el poema termina, porque la oración ha sido pronunciada, porque nada más necesita ser dicho.

Parte 4 — McCoy Tyner, Jimmy Garrison, Elvin Jones

McCoy Tyner, Jimmy Garrison y Elvin Jones son a veces llamados la mejor sección rítmica en la historia del jazz, y aunque ese tipo de clasificación suele ser insignificante, lo que señala es real: estos tres músicos formaron una unidad tan completa y distintiva que colectivamente funcionan como un cuarto instrumento, no como acompañamiento.

Los voicings cuartales de Tyner — acordes construidos en cuartas apiladas (Do-Fa-Sib, por ejemplo) en lugar de las terceras estándar (Do-Mi-Sol) — crean un sonido que es simultáneamente antiguo y moderno. Los intervalos de cuarta aparecen a lo largo de la música mundial y la armonía medieval; son anteriores a la armonía tonal occidental y existen fuera de su sistema de resolución y expectativa. Los acordes de Tyner no funcionan como los acordes estándar del jazz. Crean bloques densos y resonantes de sonido que establecen un estado de ánimo o un área tonal sin fijarse en una tonalidad. Le dan a Coltrane la máxima libertad mientras proporcionan el máximo soporte. En A Love Supreme, estos voicings son inseparables de la atmósfera espiritual de la música — suenan, muy específicamente, como oración.

Los pasajes arco de Garrison — tocando el bajo con arco en lugar de puntearlo — aparecen en momentos estructurales clave a lo largo de la suite. El bajo con arco es un sonido que no pertenece al jazz en ningún sentido tradicional; pertenece a la música orquestal, a las sonatas para violonchelo, a las salas de concierto europeas. Garrison lo usa aquí para señalar un modo diferente de atención, un momento en que la música necesita respirar de otra manera. Escúchalo en las transiciones entre movimientos.

La concepción polirrítmica de Jones, que ahora tienes suficiente experiencia para comenzar a escuchar con claridad, funciona mediante lo que podría llamarse contrapunto rítmico. Donde un baterista convencional toca un ritmo principal que todo el kit apoya, Jones toca múltiples ritmos simultáneos que cada uno tiene su propia lógica independiente. El bombo, la caja, el platillo ride y el hi-hat están cada uno persiguiendo su propia línea, y el resultado compuesto es una textura rítmica de extraordinaria densidad. En Pursuance en particular, esta densidad se vuelve abrumadora en el mejor sentido posible — la sientes físicamente antes de procesarla intelectualmente. Esa respuesta física es el punto. La batería de Jones en este disco está diseñada para hacer que la búsqueda de lo sagrado se sienta como lo que realmente es: implacable, agotadora y necesaria.

Tarea de escucha del Black Belt — Lección 3

Album: A Love Supreme — John Coltrane (Impulse!, 1965)

YouTube: Search: John Coltrane A Love Supreme Part 1 Acknowledgement official Impulse

Primera escucha — Puntos de enfoque:

1. Cuenta cuántas veces aparece el motivo de cuatro notas en Acknowledgement — en el bajo, el saxofón, implícito por el piano. Aparecerá más veces de las que esperas.
2. Sigue el canto cerca del final de la Parte 1. Luego regresa al comienzo de la pista y escucha la línea de bajo. Escucha cómo el saxofón ha estado diciendo la misma frase en notas desde el primer compás.
3. En Pursuance, intenta seguir el platillo ride de Elvin Jones de forma independiente durante sesenta segundos, luego su bombo de forma independiente durante sesenta segundos. Nota cómo no están coordinándose de la manera en que un patrón de batería convencional se coordina — cada uno es su propia voz rítmica.
4. En Psalm, abre el poema de las notas del álbum si puedes encontrarlo y sigue sílaba por sílaba. El saxofón está leyendo. Tú estás leyendo con él.

Guía de escucha: Desde el primer compás, escucha el motivo de cuatro notas — ta-ta-ta-TAH. Regresará en diferentes formas a lo largo del primer movimiento. Cuenta cuántas veces lo encuentras. Luego escucha a Coltrane cantar cerca del final de la Parte 1. El saxofón ha estado diciendo la misma frase todo el tiempo. El canto lo revela.

Escucha la suite completa sin detenerte, desde Acknowledgement hasta Psalm, e intenta experimentarla como un arco continuo único en lugar de cuatro piezas separadas. Nota cómo tu estado emocional cambia a través de cada movimiento — lo que sientes en el reconocimiento, lo que cambia en la resolución, lo que la persecución le hace a tu sistema nervioso, y lo que el silencio del salmo al final produce. Luego compara lo que escuchaste esta vez con tu recuerdo de la primera vez que lo escuchaste en White Belt. Algo será diferente. Sabrás qué es.