The Cosmic Harp

Black Belt · Lección 6 de 11 · Tiempo estimado: 20-25 minutos · Tarea de escucha: Incluida

Antes que nada, una corrección a una historia que quizás hayas absorbido sin darte cuenta. A veces presentan a Alice Coltrane como la viuda de John Coltrane, como si su importancia principal fuera relacional — como si existiera en el registro histórico por con quién estuvo casada. Esto es un error, y es importante que lo sea. Alice Coltrane fue una artista original de primer orden que estudió con Swami Satchidananda, que desarrolló un vocabulario único tanto en el piano como en el arpa, que compuso música que no pertenecía a ninguna tradición existente, y que en la década de 1970 fundó una comunidad espiritual en California que dirigió durante décadas. El lente de la viudez la empequeñece. Merece ser escuchada en sus propios términos, y esta lección intentará mantener esos términos firmes.

Parte 1 — Quién fue Alice Coltrane

Alice McLeod nació en Detroit en 1937, en el seno de una familia de músicos. Estudió piano con seriedad desde la infancia, tocó bebop profesionalmente a los veintitantos años, y trabajó brevemente con el vibrafonista Terry Gibbs antes de unirse a la banda de John Coltrane en 1965 — reemplazando a McCoy Tyner, lo cual te dice mucho sobre cuán lejos había viajado la música de Coltrane de sus cimientos en el jazz modal. La muerte de John por cáncer de hígado en julio de 1967 dejó a Alice con treinta años, cuatro hijos y un enorme legado musical por navegar.

Lo que hizo con esa situación es extraordinario. No se dedicó a curar un museo. Siguió su propia curiosidad hacia la música clásica india con la misma seriedad que había aportado al jazz. Estudió la filosofía Vedanta. Fue iniciada por Swami Satchidananda — el mismo maestro que apareció en Woodstock — y eventualmente adoptó el nombre espiritual Turiyasangitananda. Publicó álbumes a finales de los años sesenta y durante los setenta que incorporaban drones de tamboura, escalas de influencia raga, patrones rítmicos del sur de Asia y un enfoque del arpa que no tenía precedente real ni en el jazz ni en la música clásica india. No estaba tomando de dos tradiciones para crear un híbrido. Estaba creando algo nuevo.

Journey in Satchidananda, grabado en noviembre de 1970 y publicado en Impulse! en 1971, es la realización más plena de ese algo nuevo. El título es una dedicatoria a su maestro. La música es un acto de devoción en el sentido más auténtico — no devoción representada, no espiritualidad decorativa, sino música que parece surgir genuinamente de una relación alterada con el tiempo y la conciencia. Estás a punto de escuchar cómo suena eso.

Parte 2 — La lógica del estudio profundo

Antes de hablar de la música en sí, vale la pena detenerse en una distinción que importa enormemente en la música intercultural: la diferencia entre apropiación y estudio profundo.

La apropiación utiliza la superficie de otra tradición — sus sonidos, sus instrumentos, sus marcadores estéticos — sin involucrarse con la lógica subyacente de esa tradición. Toma prestado el disfraz sin aprender el idioma. El resultado puede ser superficialmente exótico pero es finalmente hueco, porque los elementos prestados no están conectados con el pensamiento estructural que les da sentido en su contexto original.

El estudio profundo es otra cosa. Significa pasar suficiente tiempo con la lógica interna de una tradición — sus teorías del tono, su enfoque del ritmo, su relación con el tiempo y la repetición — hasta empezar a comprender no solo qué hace sino por qué. El compromiso de Alice Coltrane con la música clásica india fue del segundo tipo. Ella entendía la función del drone de tamboura no como atmósfera sino como fundamento filosófico: el drone establece el universo tonal del cual emerge toda melodía y al cual regresa. Entendía el raga como un sistema de color emocional, donde cada escala porta un carácter afectivo inseparable de las notas mismas. Entendía que el ritmo del sur de Asia no acompaña simplemente la melodía sino que mantiene su propia conversación independiente con ella.

Esto se nota en la música. Journey in Satchidananda no suena como jazz con instrumentos indios añadidos encima. Suena como una lógica nueva, una que requería comprender ambas tradiciones desde adentro para poder construirse.

Parte 3 — El arpa como voz principal

El arpa de Alice Coltrane merece atención extendida propia porque la historia del instrumento en el jazz es, antes de ella, prácticamente una página en blanco. El arpa se usaba de manera decorativa en algunos arreglos de jazz orquestal, como elemento colorístico en la escritura para big band. No se trataba como una voz improvisatoria con la misma autoridad que un saxofón o un piano. Alice cambió esto permanentemente.

Lo que descubrió en el arpa fue un conjunto de propiedades perfectamente adecuadas para la música que estaba creando. El arpa sostiene el sonido de manera diferente al piano — las notas florecen y se desvanecen con una cualidad casi líquida, que hace que los tonos sostenidos se sientan como si todavía estuvieran llegando incluso mientras se apagan. El glissando — el barrido de la mano a través de todas las cuerdas — está disponible para un arpista de una forma que no lo está para ningún otro instrumentista, y Alice lo usaba para viajar por el espacio armónico sin la articulación definida de notas individuales. Te mueves de aquí a allá en su arpa sin pasar por los puntos intermedios. Es una forma de moverse a través de la armonía que sugiere transformación más que progresión.

Sus arpegios tienen una cualidad similar. Donde los arpegios de un pianista se sienten como acordes descompuestos — puedes oír cada nota como miembro de una armonía — los arpegios del arpa de Alice parecen flotar libres de las estructuras armónicas que técnicamente están delineando. Sugieren el acorde sin estar definidos por él. Esto da a sus improvisaciones una cualidad distintiva de no-del-todo-aterrizar, de perpetuo devenir. Siempre te estás moviendo hacia algo en lugar de llegar a algún lugar. Dado que la música trata explícitamente sobre la búsqueda espiritual, la correspondencia entre las propiedades naturales del instrumento y las preocupaciones filosóficas de la música no es accidental.

Parte 4 — Pharoah Sanders como fuego

Pharoah Sanders aparece en Journey in Satchidananda tocando saxofón soprano, y su presencia crea la dinámica central del álbum. Si el arpa de Alice es agua — fluida, sostenida, moviéndose por el espacio sin bordes afilados — entonces el soprano de Pharoah es fuego. Su sonido en este álbum tiene una intensidad en sus bordes, una ligera aspereza que se convierte en una especie de textura, que está en contraste físico directo con la suavidad del arpa.

Sanders era, en 1970, una de las voces más importantes del jazz post-Coltrane. Había tocado en Ascension — que acabas de escuchar, en la lección anterior — y había estado desarrollando su propio vocabulario en el saxofón tenor y soprano desde mediados de los años sesenta. Su enfoque enfatizaba las técnicas extendidas: multifónicos (producir más de un tono simultáneamente), ejecución en el registro altísimo extremo, y el uso de la tendencia natural del instrumento hacia la densidad armónica a volúmenes altos. No era un melodista en el sentido convencional. Era un creador de texturas, un generador de sonido, un músico que trabajaba en la frontera entre el sonido con altura definida y el ruido.

En Satchidananda, la ferocidad de Sanders se coloca en relación directa con el drone de tamboura y las figuras en cascada del arpa. El contraste no es de oposición. Es complementario en el sentido más profundo: el drone crea un campo, el arpa se mueve a través de él con fluidez, y el soprano de Sanders arde dentro de él con una intensidad que de alguna manera no perturba la paz del conjunto. Este es el logro fundamental del álbum — que puede contener fuego y agua simultáneamente sin que ninguno extinga al otro. El entorno que el álbum crea es lo suficientemente amplio para ambos.

Tarea de escucha del Black Belt — Lección 6

YouTube: Search: Alice Coltrane Journey in Satchidananda official Impulse

Guía de escucha: El drone de tamboura abre el tema — un sonido continuo que no se detendrá hasta que la música lo haga. Deja que se convierta en el suelo. Luego escucha el arpa por encima y el bajo por debajo. Tres capas, tres relaciones con el tiempo. Ritmo de jazz occidental, drone indio, y algo que no pertenece a ninguno y pertenece a ambos. No intentes resolver lo que estás escuchando en una categoría conocida. Deja que la música exista en el espacio que crea para sí misma.

Para tu segunda escucha, pon atención específicamente a la relación entre el arpa de Alice y el soprano de Pharoah Sanders. Nota cada momento en que Sanders entra o sale. Nota cómo cambia la temperatura de la música cuando él toca y cuando no. Pregúntate si el álbum estaría completo sin él — si el agua necesita el fuego, si la quietud necesita su opuesto para revelarse como quietud. Esta es una pregunta que la música está haciendo. Escucha si puedes oír la respuesta que da.